CANARIO Y SU GRUPO: Mercedes y Sara

Manuel Jiménez “El Canario”

Los discos en 78 rpm de artistas de Puerto Rico anteriores a la Segunda Guerra Mundial suelen ser difíciles de encontrar y mucha de esa música, aparte de casos aislados como el del grupo Los Jardineros (editados en Cd) sigue permaneciendo en el secreto. Encontrar un disco de la banda que hoy nos ocupa, a pesar de ser una de las más famosas de la época, suele ser una tarea difícil y es por eso que fue una grata sorpresa cuando di con este disco en una tienda hace aproximadamente un año. Para más suerte, estaba y está en estupendo estado. Desconocía por entonces la trayectoria de Manuel Jiménez, más conocido como “El Canario”, pero este disco me abrió las puertas a la carrera de este excelente líder de banda y músico.

Manuel  Jiménez nació en Orcovis, Puerto Rico, el 1 de enero de 1895, y parece que ya de joven la música formó parte de su vida. Si bien empezó trabajando de muy joven en fábricas y en una tabaquería, con apenas 14 años se va en un buque a Barcelona como polizón. Regresa al poco tiempo a América, estableciéndose en New York, y parece ser que fue en alguno de estos viajes que uno de los capataces le pone el sobrenombre de “Canario”, ya que el joven Manuel canta a todas horas. Se dice que hacia 1914 realiza sus primeras grabaciones para Pathé en New York, corridos mexicanos, y que al año continúa grabando para otros sellos, aunque la hora de la verdad le llega a mitades de los años 20, cuando en 1926 firma un contrato como artista exclusivo para Victor, para quienes empieza a grabar con su propio grupo.

Canario pasa de cantar a ejercer como líder de la banda, rodeándose de estupendos músicos con los que gira y graba asíduamente durante la segunda mitad de los años 20 y principios de los 30. Si bien se le reconoce como el gran introductor de la plena puertorriqueña en Estados Unidos, la verdad es que su banda grabó todo tipo de estilos latinos en una buena estrategia para mantener un buen nivel de ventas. Su carrera sigue en auge en los años 30, cuando funda su propia orquesta con la que sigue cosechando éxitos. Hacia 1949 vuelve a vivir a Puerto Rico, y se mantiene allí más o menos activo hasta los años 60 donde fallece posteriormente en 1975.

El disco que hoy presento, grabado en setiembre de 1930 en New York, nos muestra a la banda interpretando un par de boleros cubanos y es un buen ejemplo de que, a pesar de haber pasado a la posteridad por la plena, Canario estaba abierto a varios estilos. Ambos temas, compuestos por Rafael Rodríguez, responden al nombre de dos mujeres, y nos muestran una estupenda banda con dos guitarras, un cuatro, claves y un estupendo clarinete en vez de la habitual trompeta de los combos cubanos, que les da un toque muy especial que me recuerda un poco a las bandas de la Martinica y Guadalupe. Digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten.

Canario y su Grupo “Mercedes” New York, 12/9/1930 Victor 30328

Canario y su Grupo “Sara” New York, 12/9/1930 Victor 30328

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CORO DE CAMPANILLEROS DE LA ESPERANZA DE TRIANA

El bajo, en este caso del Coro de Campanilleros de Bormujo. En este caso se trata de una jarra decorada que nuestro hombre golpea con la alpargata que sostiene la mano derecha. Este sonido mrca el tiempo y ritmo de la canción.

Ahora que acabamos de pasar la Semana Santa, me apetecía compartir algo diferente y que tuviera que ver con estas festividades, algo tradicional del sur de España: Los Coros de Campanilleros. Este tipo de Coros forman una parte importante de las fiestas de Semana Santa en Andalucía, donde, acompañados de guitarras, castañuelas, campanas, bajo (una jarra golpeada con una alpargata) y otros instrumentos (“intrumentos de hombre pobre” como apuntó Alan Lomax cuando grabó al Coro de Bormujos en los años 50), cantan al  alba los rosarios de la Aurora. Estos cantos de carácter religioso se remontan a las épocas medievales, y son (y se han mantenido hasta la actualidad) de origen humilde, de ahí la sencillez de los instrumentos que los acompañan.

Mi primer contacto con esta música fue a través de un disco editado por Parlophon en 1930 con el que seguramente sea el Coro más conocido, el de Bormujo. Este coro participó en la Exposición Internacional de Barcelona de 1929 actuando en el Poble espanyol de Montjuïc, y fue seguramente durante esa estancia en la capital catalana cuando grabaron para Parlophon un total de 7 discos. Fue una verdadera sorpresa descubrir su música, ya que no se asemejaba a nada de lo que yo hubiera escuchado antes en el folklore español. La introducción instrumental con las campanas, la guitarra y el bajo ¡casi me recordaba a la música oriental! Podéis escuchar el disco aquí:

Si bien el disco ya no está en mis manos (cosas que pasan), algo de curiosidad había despertado en mi. Así que con al poco tiempo cuando tuve la oportunidad de hacerme con otro disco de un Coro  diferente no me lo pensé dos veces. Esta vez el disco era editado por Regal y el grupo en cuestión era sevillano, el Coro de Campanilleros de la Esperanza de Triana. Y vaya otro descubrimiento. Si bien la base instrumental es casi igual (campanas, guitarra y bajo) el estilo es diferente. Para empezar aquí no hay voces fememinas como en  Bormujo (de hecho las voces de mujeres fueron una de las grandes innovaciones de este coro), los temas son mucho más pausados y el uso de los instrumentos es más rítmico. Pero qué gozada de disco. El juego de voces entre el solista, José Cotayo, y el coro es espectacular, alternando juntamente con los músicos acompañantes bellos momentos de explosión y calma.

Los dos discos en el resumen del catálogo general de regal de Junio de 1930. Se habían lanzado ya a incios de ese año.

La verdad es que para otro que esté más acostumbrado a esta música no la verá tan especial, pero para mi que no vengo de este mundo fue todo un shock. Es una música inquitetante y hermosa, singular y muy muy especial. Por desgracia no he podido encontrar nada de información sobre el Coro de Campanilleros de la Esperanza de Triana excepto las entradas de los lanzamientos de sus dos discos en los catálogos de Regal, que salieron a principios de 1930 (lo que supone la grabación a finales de 1929) y aparte de Cotayo, nombrado en la etiqueta, no sé el nombre de ninguno de sus componentes. Así que como siempre, si alguien que lea esto tiene más información, que  por favor contacte conmigo. Y ahora sí, os dejo con los dos temas del disco. Digitalizados de mi colección. Espero que los disfruten.

Coro de Campanilleros de la Esperanza de Triana “Se le antojó a la Virgen” 1929. Regal RS 1324

Coro de Campanilleros de la Esperanza de Triana “Almendro florido” 1929. Regal RS 1324

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JOE LINTHECOME “Humming Blues”

A todos nos pasa, de vez en cuando aparece en nuestra vida una canción que se vuelve en una pequeña obsesión particular. En mi caso esto suele suceder a menudo, demasiado a menudo para mi desgracia (o para mi alegría, depende de como se mire). Este es el caso del disco que hoy presento, una canción cuya posesión en formato físico se convirtió en una cruzada particular que, a pesar de no esperarlo, conseguí superar hace poco.

El tema en cuestión es una rareza grabada para el sello Gennett por un tal Joe Linthecome que lleva por título “Humming Blues”. La sesión de grabación fue llevada a cabo el 20 de noviembre de 1929 con Linthecome (también conocido por el sobrenombre de Red Onion Joe) al ukelele, voces y kazoo. El disco no sólo es raro por las pocas copias que existen sino porque es uno de los pocos ejemplos de un músico negro tocando Blues con el ukelele. Poco os puedo decir de Linthecome, o más bien nada. No he encontrado ninguna información sobre él en ningún sitio ni existe ninguna foto suya (la foto que ilustra el post es de un tal Eddie Thomas, extraída de una filmación). Lo único que puedo decir es que “Humming Blues” es una de las canciones más preciosas que he escuchado jamás. La primera vez que la oí quedé prendado de ella: Su agridulce melodía, la amarga letra, su ritmo y la estupenda voz de Linthecome son un buen reflejo de los primeros días de la Gran Depresión americana. Poco más puedo añadir, aparte de que mi copia, anteriormente propiedad del coleccionista y estudioso del Blues Paul Garon, es una reedición de finales de los 30 o inicios de los 40 hecha por el sello Varsity. Este sello de corta duración (1939-1941) fue fundado por Eli Oberstein, quien reeditó muchos discos de los 20 y 30. En 1941 se declaró en bancarrota pero fue rescatado y relanzado a finales de esa misma década. En esta edición Linthecome fue rebautizado con el sobrenombre de Joe Joe.

Os dejo con el tema en cuestión. Si clicáis el enlace de abajo también podréis escuchar la otra cara, “Pretty Mama Blues” (que en Varsity se editó simplemente como “Mama Blues”). Digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten.

Joe Linthecome “Humming Blues” 20/11/1929 Varsity 6032 (orig. Gennett 7131)

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SEGURA BROTHERS “A mosquito ate up my sweetheart”

Dewey y Edier Segura

Nacidos en Delcambre, Louisiana, en el corazón de la Arcadia, Dewey y Edier (Eddie) Segura eran dos hermanos de una numerosa familia de 12 hijos con origen español y francés, en la que casi todos tocaban algún instrumento. De mayores, durante los años 20, los dos hermanos compaginaban sus actuaciones con la fabricación de alcohol ilegal. De hecho Dewey se movía por todo el sur para ganarse el pan con su música y su whiskey casero, y fue en uno de esos viajes de camino a Port Arthur, en 1928, cuando descubrió ojeando un periódico que Columbia Records buscaba nuevos talentos en la zona.

Poco meses antes, Columbia había editado el que fue el primer disco de música Cajun, “Lafayette” de Joe Falcon (de quien ya hablamos con anterioridad junto a su mujer, Cleoma Breaux), y el inesperado éxito del disco abrió un nuevo mercado para la compañía, quien empezó a editar discos Cajun en su serie 40500-F (Okeh, propiedad de Columbia desded hacía poco, también lo haría en su serie 90000), denominada “Arcadian French”. Por suerte para Dewey y Edier, un familiar suyo que era fotógrafo, tenía un contacto con la compañía por lo que los hermanos pudieron ser contratados para un pequeña sesión de grabación en New Orleans en diciembre de 1928.

Con Dewey al acordeón y a las voces y Edier acompañándole al triángulo, los hermanos grabaron sólo 4 canciones editadas en dos discos, 40500-F y 40507-F, ambos estupendos. Gozaron de bastante éxito y, sobretodo gracias a la insistencia de Dewey, volverían a grabar al año siguiente, aunque con la llegada de la depresión sólo volvieron a grabar de nuevo para Alan Lomax en 1934 en sus grabaciones de campo para la Librería del Congreso (esas grabaciones, también fantásticas, se pueden escuchar aquí). Pero de momento os dejo con un tema extraído del segundo disco editado por Columbia en esas sesión de 1928. Se trata de “A mosquito ate up my sweetheart”, un tema de corte cómico que seguramente sonó a menudo en los Fais-do-do de Louisiana. Digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten.

Segura Brothers “A mosquito ate up my sweetheart” New Orleans 16/12/1928 Columbia 40507-F

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ELDER LIGHTFOOT SOLOMON MICHAUX: Happy Am I

Elder Lightfoot Solomon Michaux

En 1929 el predicador Elder Lightfoot Solomon Michaux fue detenido por la policía de la localidad de Newsport News. En los años 20 del siglo pasado, el estado de Virginia, como muchos otros, mantenía una fuerte segregación por todo su territorio en todos los aspectos de la vida pública: Escuelas, restaurantes, transportes y, cómo no, iglesias. Michaux se había convertido en uno de los más fervientes combatientes de las leyes Jim Crow, y abogaba por una iglesia integrada, donde blancos y negros pudieran reunirse y escuchar la palabra de Dios. Así fue que en 1929 (algunas fechas mencionan otros años) hizo una llamada general a los creyentes blancos para acudir libremente a su iglesia, pero fue en cambio la policía quien se presentó arrestando al predicador. No era el primer encontronazo de Michaux con la ley. Años atrás se le había arrestado por cantar demasiado alto junto a parte de su congregación por las calles para llamar a la gente a la iglesia en un domingo por la mañana,. Michaux se defendió a si mismo, perdió y apeló la sentencia y al final fue multado. Fue justamente lo mismo que sucedió en 1929 cuando alegó que la Biblia no hablaba de segregación. Pero las leyes blancas eran intransigentes y acabó multado de nuevo.

Lightfoot Solomon Michaux fue un personaje muy interesante y a menudo olvidado. Empezó su carrera de predicador en los años 10, época en la que, unido a su mujer, predicaba en tiendas de campaña, hasta que estableció su primera Iglesia en su ciudad natal de Newsport News en 1919. Su éxito fue espectacular. No sólo tenía un carisma especial sino que amenizaba todas sus liturgias con música Gospel compuesta por él mismo e interpretada por un gran coro al que se unían los feligreses presentes (vale la pena ver la filmación que compartí hace tiempo en la sección de Videos).

Pero su verdadera época de esplendor llegó durante los años 30. En 1929 Michaux fue contratado por la cadena de Radio WJSV donde nuestro hombre presentó su “Happiness Hour”, un programa en el que mezclaba sus canciones con sermones. En 1932 la cadena fue absorbida por CBS lo que significó el programa se retransmitía entonces por más de 50 estaciones de radio afiliadas, lo que le abrió las puertas a una audiencia estimada de unos 25 millones de espectadores. En plena depresión Michaux ofrecía un mensaje de felicidad y esperanza a todos ellos, amenizado con estupendas canciones de cosecha propia que lo convirtieron en uno de los personajes más famosos de la época.

No es entonces extraño que el sello Victor se interesara por él. Entre 1933 y 1934 Michaux grabó una serie de discos, algunos grabaciones de sus sermones en directo, pero muchos no se sabe si llegaron a ser editados. Por suerte hay uno que sí lo fue, y es esta pequeña joya con su tema insignia la que presento hoy. “Happy Am I” fue su canción más famosa y que llegó a convertirse en una especie de himno hasta el punto que a menudo Michaux se promocionó como el Happy am I preacher. Hay una cosa que me fascina de esta grabación y del estilo de Michaux, y es que se aleja mucho del Gospel habitual al que estamos acotumbrados. No hay una influencia cara del Blues o del Stomp, ni tan sólo de los gritos de pregunta y respuesta. Pero así y todo es música, nunca más bien dicho, celestial, sencilla  y directa, casi como un mantra, con un juego de voces fantástico. Como siempre, digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten.

Elder Lighfoot Solomon Michaux Congregational Singing “Happy Am I” New York, 23/3/1934 Victor 24607

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THE MOATSVILLE STRING TICKLERS “Moatsville Blues”

Foto promocional de los Moatsville String Ticklers.

Frank Buckley Walker era un apasionado de la música Country. Después de diversos trabajos que no tenían nada que ver con la música, había sido contratado como cazatalentos por Columbia Records a inicios de los años 20, para quienes descubrió nada menos que a Bessie smith. En 1928 Columbia lo envía a Tennessee en busca de talentos autóctonos de la zona. El año anterior, el que era por entonces el principal rival de Columbia, Victor, había organizado unas sesiones de grabación en Bristol, (de la que ya hablamos con anterioridad) que supusieron un rotundo éxito y descubrieron al mundo artistas del talla de Jimmie Rodgers o la Carter Family. Intentando emular el éxito, Columbia envió a Walker en busca de nuevos talentos a Johnson City, intentando captar in situ la verdadera esencia de la música country.

La primera compañía en trasladar a cazatalentos por el territorio americano fue Okeh en 1923, cuando Ralph Peer grabó a Fiddlin’ John Carson en Atlanta, método que Peer trasladó a Victor unos años después cuando llevó a cabo las famosas sesiones de Bristol. estas sesiones, a pesar del engorro que suponían, resultaban muy beneficiosas para las compañías. Hasta entonces los artistas que desearan grabar debían trasladarse  a una gran capital donde hubiera alguno de los grandes estudios (principalmente New York), lo cual no estaba al alcance de todos, ya que suponía dejar su trabajo habitual con el riesgo de no ser contratados. Además, aunque está claro que las compañías pagaban bien por las grabaciones y siempre salían a cuenta para los artistas, no todos podían permitirse el lujo de viajar, así que este nuevo método acercaba el estudio a los artistas, y no al revés, facilitándoles el  traslado.

Walker llevó a cabo una primera sesión en octubre de 1928 tras anunciarse siguiendo el método habitual tal y como le explicó a Mike seeger durante una entrevista: “Preparábamos las sesiones de grabación con antelación, corriendo la voz de que estaríamos allí durante un tiempo concreto del año, y esa gente venía de una distancia de 800 o 900 millas.  Cómo llegaban allí nunca lo sabré, y como volvían tampoco lo sabré.”

Otra foto de la banda.

Se grabaron a un buen número de artistas en 1928, así que justo un año despues, en octubre de 1929, Walker volvió a Johnson y siguió con su tarea. Es durante esta segunda sesión que se grabó el único disco editado de la banda que hoy nos ocupa, los Moatsville String Ticklers. Esta banda, oriunda de la ciudad de Moatsville, en Virginia del Oeste, constaba de ocho miembros que respondían a estos nombres siguiendo el orden de la fotografía de más arriba: (de pie) Zel Frey, Doyle Shaffer, Brooks Ritter, Floyd Frey y (sentados) Marshall Summers, Harold Ritter, Cecil Frey, and Gordon Frey. Cecil Frye (violinista) y Brooks Ritter (banjo y carpintero de profesión) eran los líderes del grupo que, aún a pesar de grabar 4 temas, sólo vio 2 editados en un único disco. ¿La cuestión? La maldita depresión que había estallado un mes antes con el Crack de la bolsa americana y que hundió las ventas de discos. Toda una verdadera pena, ya que no sólo se trata de uno de los primeros ejemplos de música del oeste de Virginia sino que la banda era realmente estupenda.

Aquí os dejo con una de las caras del disco, un tema propio bautizado como “Moatsville Blues” en homenaje a la ciudad natal de la banda. Toda una joya del country y uno de mis discos favoritos del género. Atención a los violines. Como siempre, digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten.

Moatsville String Ticklers “Moatsville Blues” Johnson, Tennesse, 22/10/1929 Columbia 15491-D

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LES LOUPS: Criollita

Óscar Alemán y Gastón Lobo en una foto promocional.

Los detalles de cómo Gastón Lobo y Óscar Alemán se conocieron son poco precisos y escasos, si bien se sabe que ambos coincidieron por primera vez en la ciudad de Santos, Brasil, donde ambos trabajaban como músicos, en una fecha indeterminada de 1924. Alemán contaba por entonces con apenas 15 años y había llegado a Brasil desde su Argentina natal para actuar junto a su familia en el Sexteto Moriente, que incluía a sus dos padres y a sus hermanos y hermana (algunos datos aseguran que tenía 2 hermanos y una hermana, aunque sólo he podido encontrar confirmación de 1 hermano). Este grupo ofrecía en sus espectáculos cantos y bailes folklóricos argentinos, pero el suicidio del padre (algunos datos hablan de la muerte de los dos padres) allá por 1919 deshizo el grupo dejando al joven Óscar ganándose el pan como músico y cogiendo todo tipo de trabajos aquí y allá.

De la vida de Gastón Lobo, en cambio, se sabe mucho menos. Se supone que nace en 1891 gracias a un artículo publicado con motivo de su muerte, y que viaja a Hawai en algún momento de la primera década del S. XX, donde aprende a tocar la guitarra hawaiana de los nativos y desde donde es probable que vaya a Estados Unidos, ya que se le atribuye la introducción del banjo en Brasil. Poco después se sabe que vive en Rio de Janeiro donde su nombre aparece unido al de los locales nocturnos de la ciudad. La cuestión es que apenas se sabe nada de sus primeros años como músico ni los motivos por los que estaba en Santos cuando se fijó en ese quinceañero al que ofreció montar un dúo. Años más tarde el propio Alemán recordaba ese momento en una entrevista:

“Un día vino un señor que se llamaba Gastón Bueno Lobo y me preguntó si quería hacer un número con él. En ese momento comenzó mi vida, una más seria. Me dio una guitarra para que estudiara, pero él no venía a enseñarme porque trabajabaNo tenia quién me enseñara. Entonces, de acuerdo con lo que yo sabía del cavaquinho, me las arregléPero la guitarra era mucho más difícil: Era grande, había que abrir los dedos y yo tenía la mano chiquita. Pero fui aprendiendo lo suficiente.” (fragmento  del libro “Tributo a Óscar Alemán” de Guillermo, José y Estanislao Iacona)

Lo más curioso de la relación es el hecho de que Alemán apenas sabía tocar la guitarra y su aprendizaje fue básicamente autodidacta (No dudo que en sus incios Lobo no le enseñara nada, pero es más que probable que sí lo hiciera cuando los dos tocaban ya juntos tiempo después), algo realmente loable teniendo en cuenta que se convertiría en toda una leyenda de las seis cuerdas a partir de los años 30, tanto en Europa como en Sudamérica.

Alemán y Lobo

Después de un tiempo ambos músicos se unen finalmente con el nombre profesional de Les Loups en 1926 (imagino inspirados por el apellido de Lobo), cuando dan sus primeras actuaciones en Santos, Sao Paulo y Rio de Janeiro (si bien se acostumbra a citar Rio como su debut). Lobo se encarga de la guitarra hawaiana mientras alemán le acompaña con su guitarra, pero al contrario de limitarse a llevar el ritmo, crea un contraste con maravillosos fraseos convirtiendo su música en algo muy especial. Eso unido a un buen repertorio nutrido básicamente del Tango, del Vals y del Foxtrot,  tanto con excelentes composiciones propias como temas populares, los lleva a cosechar buen éxito y críticas, llevándolos de gira hasta Argentina unidos a la compañía del cómico Pablo Palitos. Es allá, en Buenos Aires, donde llaman la atención de la Victor argentina, quienes les contrata para un total de 16 cortes grabados entre 1927 y 1929 que son ya leyenda.

Les Loups con la troupe de Harry Fleming. Fuente: oscar-aleman.blogspot.com

Entre medio de esas sesiones graban un único disco con la estrella del tango Rosita Quiroga (toda una rareza de la que poseo una copia) y también, unidos al violinista Emilio Vardaro, unas pocas caras bajo el nombre de Trio Victor (también difíciles de encontrar). El final pero se acerca en 1929, cuando se unen al show de jazz ambulante de Harry Fleming. Con él se mueven a Europa de gira y después de unas actuaciones en España (Madrid, Zaragoza y Barcelona) graban su último disco allí (Odeon 183104, algún día te encontraré) del que todavía no sé de ninguna copia. Al poco Gastón Lobo decide irse a París mientras Alemán se queda un tiempo en Madrid probando suerte como músico, antes de trasladarse también a la capital francesa donde se consagrará como  guitarrista y director de orquesta.

Pues bien, llega la hora de la música. Para amenizar la entrada, me he decidido por su primer lanzamiento, una joya que he conseguido recientemente con dos estupendas caras. Por un lado el tango “Hawayanita”, lo que dará una idea general a cualquiera del tono general de las grabaciones de Les Loups. Pero en el otro lado tenemos una de las piezas más especiales de sus discografía, la menos conocida “Criollita”, un vals que nos ofrece la única grabación con Gastón Lobo al ukelele. Digitalizados de mi colección. Espero que los disfruten

Nota: Mis más sinceros agradecimientos y elogios a la web oscar-aleman.blogspot.com.es. Si alguien necesita más información sobre Les Loups es el sitio perfecto a donde ir.

Les Loups “Hawayanita” Buenos Aires, diciembre 1927 VICTOR 79968

Les Loups “Criollita” Buenos Aires, diciembre 1927 VICTOR 79968

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