CHARLIE POOLE & THE NORTH CAROLINA RAMBLERS: Goobye Booze

Los North Carolina Ramblers. Charlie Poole a la derecha.

“Oh adiós bebida/para siempre/Mis días de beber/pronto habrán acabado/Lo pasamos bien/Pero no nos pusimos de acuerdo/Veréis lo que la bebida/ha hecho por mi”.

Así empieza el que es mi tema favorito del gran Charlie Poole. El que fuera una de las figuras más famosas del Country de los años 20 (olvidada ahora por la mayoría, como suele pasar) grabó esta joya en 1926, una época de pleno auge para él y su banda, los North Carolina Ramblers, pero no por eso deja de ser un tema triste si tenemos en cuenta que el pobre Charlie batalló con el alcoholismo durante gran parte de su vida y apenas 5 años después moriría de un ataque al corazón provocado por la bebida. Con tan sólo 39 años y afectado también sin duda por la caída de su estrellato por culpa de la Gran Depresión, desaparecía uno de los grandes músicos de los años 20.

De ascendencia irlandesa, Charles Cleveland Poole nació en Franlinville (North Carolina) el 22 de marzo de 1892 y desarrolló sus dos grandes intereses, la bebida y la música, muy pronto. Empezó a trabajar a los 12 años pero como muchos otras familias del entorno rural de los apalaches empezó también por entonces a destilar licor ilegal, y de hecho, se dice que los beneficios de la primera venta de su alcohol casero los destinó a comprarse un banjo. Fue en este instrumento donde siempre destacó por un peculiaridad. De joven dos de sus dedos de la mano derecha quedaron dañados al intentar recoger una pelota sin guante jugando al baseball. Los dedos se rompieron pero no recibieron atención médica, lo que provocó que su anular y meñique quedaran agarrotados permanentemente obligándole a desarrollar su propia técnica al banjo tocando con sólo tres dedos.

Su infancia fue dura, como la de muchos otros granjeros o trabajadores de la zona. Junto a su pasión por la bebida y la música, cuentan que al joven Charlie también le encantaba pelearse, algo que le ocasionó algún que otro problema con la ley. Por eso es normal que a pesar de casarse  joven  el bueno de Poole preferiera la vida ambulante, sobreviviendo con trabajillos o tocando su banjo allá donde pudiera. De hecho al poco tiempo de nacer su primer hijo se divorció. Continuó viajando y por allá 1917, estando en Spray (ahora conocida como Eden) conoció al violinista Posey Rorer, con quien destilaba licor ilegal para traficantes y con cuya hermana se casaría. Al poco tiempo se les uniría el guitarrista Norman Woodlief (quien reemplazó a otro guitarrista llamado Clarence Foust) cerrando así la formación de lo que serían los North Carolina Ramblers.

Llegamos a 1925 y la banda, alentada por las grabaciones de otros músicos conocidos, se traslada a New York para conseguir grabar algún disco (hay que tener en cuenta que era muy normal para las bands viajar lejos para grabar ya que las sesiones se pagaban muy bien). Se dice que al representante de Columbia no le costó demasiado dejarse convencer ya que los fichó con tan sólo escuchar unos cuantos compases. Fue así como grabaron cuatro temas el 27 de julio para después volverse a Eden de nuevo. Al poco Columbia editaba el primer disco de la banda con los temas “Don’t let your deal go down” y “Can I sleep in your barn mister?”. En esos tiempos vender 5.000 copias era un éxito, pero el disco llegó a vander más de 100.000, lo que consiguió convertir a la banda en estrellas.

La banda no cobró royalties por sus dos primeros discos, pero para su segunda sesió para Columbia, después de extensas y exitosas giras, Poole se encargó de llegar a un acuerdo para triplicar su caché por cada sesión además de cobrar un porcentaje de ventas. La banda estaba en auge, y a pesar de cambiar de guitarrista, nada les afectó, su éxito fue espectacular. Así y todo, el problema con el alcohol de Poole fue empeorando. Algunas de sus típicas salidas eran desparecer durante días o gastarse el dinero de sus compañeros. Pero juntando el problema con la bebida junto a la caída de ventas que supuso la Gran Depresión, para inicios de los años 30 Charlie Poole estaba en el peor momento de su vida. Fue por entonces cuando llegó Hollywood quien le ofreció un contrato y un adelanto para aparecer en un film, pero Poole decidió gastarse todo el dinero en una maratón alcohólica que acabaría con su única oportunidad de reencaminar su carrera y también con su propia vida. La mañana del 21 de mayo de 1931, estando en casa de su hermana, se oyó a Charlie decir “El viejo Charles ha estado borracho muchas veces pero esta vez va a palmarla”. Poco más tarde, ese mismo día, su corazón decía basta.

Es por eso que he escogido esta canción hoy. “Goodbye Booze” es una triste ironía en la larga discografía de Poole, un hombre que jamás pudo decirle “adiós” a la bebida. Esta triste balada se convierte así en un precioso pero trágico epitafio, y quizá por eso es al mismo tiempo uno de mis temas favoritos de este gran músico.  Digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten.

Charlie Poole With The North Carolina Ramblers “Good bye booze” NY 17/9/1926 COLUMBIA 15138-D

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PIGMEAT PETE & CATJUICE CHARLIE – Do it right

Coot Grant y Wesley Wilson en los años 20.

El  hokum (del que ya hemos hablado anteriormente)es un estilo musical que tiene sus orígenes en el minstrel americano del S. XIX. En los tiempos del vodevil, el hokum emergió como un estilo cómico, a menudo acompañado de bailes, y que estableció unos temas comunes que se fueron propagando a lo largo de todo el circuito teatral de Estados Unidos. Por regla general, en el mundo del minstrel, músicos, humoristas y bailarines de raza negra amenizaban al público americano (blanco o negro) con diálogos y canciones humorísticas que en muchas ocasiones incluían referencias sexuales y que por desgracia fue un reflejo del racismo imperante de la época. En general se representaba a los afroamericanos como personajes estereotipados y graciosos, ya fueran representados por artistas negros, artistas blancos con la cara pintada de negro o, a pesar de lo ridículo que pueda sonar, artistas negros con la cara pintada de negro.

Dejando aparte el componente racista, el minstrel fue un gran influencia en la música popular americana, ya que el circuito de vodevil recorría casi todo Estados Unidos y fue la primera ocasión en que el público medio y pobre americano tuvo acceso a un mismo tipo de espectáculo (algo parecido a la radio o la televisión más tarde), generando un efecto curioso ya que el mismo tipo de música y chistes se representaban en todas partes.

Cuando los músicos de Jazz y Blues afroamericanos empiezan a grabar para las compañías, su música a menudo refleja este tipo de humor, y es entonces cuando nace el hokum propiamente dicho. La pareja que hoy nos centra es un buen ejemplo de ello. Pigmeat Pete y Catjuice Charlie eran los seudónimos de Wesley Wilson (voces) y Harry McDaniels (voces y guitarra), quienes en 1929 grabaron una serie de caras para Columbia que son el típico ejemplo del hokum americano. Poco sé de McDaniels, pero Wilson fue toda una estrella entre los años 10 y 30 formando dúo con su mujer, Coot Grant, actuando por gran parte del circuito teatral y con quien también grabó unos cuantos discos. El dúo fue principalmente conocido como Grant and Wilson, grabando con Fletcher Henderson, Sidney Bechet o Louis Armstrong e incluso llegando a aparecer en un film, pero nuestro hombre utilizó varios seudónimos a lo largo de su carrera tales como Kid Wilson. Pianista y cantante, fue también un prolífico compositor con más de 400 temas registrados (algunos de ellos clásicos del Blues y el Jazz grabados por varias estrellas), pero su carrera y la de su mujer empezó a decaer hacia los años 30 perdiendo el favor del público. Si bien siguió trabajando junto a su mujer como compositor a lo largo de los años 40, su estrella no volvió a alzarse como antes. Murió en 1958 de un ataque al corazón.

Pues bien, toca la música. Recientemente ha llegado a mis manos un copia limpia de Pigmeat Pete y Catjuice Charlie con dos estupendos temas que darán buen ejemplo de lo que era el hokum en esa época. Por un lado tenemos el clásico “Do it right” y su divertida letra que incluye versos como “si te sientes mal porque no sirves para nada/coge una cuerda y ahórcate” o (mi favorito) “Cuando tu amigo le compra a tu mujer una Coca-Cola/Puedes apostar tu vida a que le está tocando su Victrola”. Como añadido tenemos la otra cara del disco, “The gin done done it” (La ginebra tiene la culpa), que tampoco se queda corto. Para los interesados en las letras se pueden consultar en la web de Weenie Campbell aquí. Os dejo con la música. Como siempre, digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten.

Pigmeat Pete & Catjuice Charlie “Do it right” New York 9/5/1929 COLUMBIA 14463-D

Pigmeat Pete & Catjuice Charlie “The gin done done it” New York 9/5/1929 COLUMBIA 14463-D

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EDMUNDO BETTENCOURT: Canção do Alemtejo

Edmundo Bettencourt

Edmundo Bettencourt (Funchal, 7 de agosto 1889-Lisboa 1 de febrero 1973), poeta y cantante, fue una de las voces más singulares de la conocida como canção de Coimbra. Esta variación del Fado portugués, muy unido a la universidad de la ciudad de Coimbra, significó un pequeño cambio en la tradición musical del género, ya que se nutría de cantantes masculinos que ataviados con las famosas túnicas negras renovaron el género por allá los años 20. Bettencourt fue uno de sus máximos exponentes formando parte de lo que se conoce como la “generación de oro”, con su increíble voz llena de sentimiento y pasión, grabando tanto temas nuevos y populares de distintas partes del país.

Tras empezar la carrera de derecho en Lisboa, se traslada a Coimbra en 1922 en cuya universidad continua con sus estudios. Allí es donde conoce a otra de las figuras claves del Fado, el gran guitarrista (de guitarra portuguesa se entiende) Artur Paredes, con quien empieza a actuar. Es también por esa época que se une a los movimientos literarios de la ciudad creando junto a otros autores la revista Presença, cuyo nombre fue ideado por él mismo, empezando así una carrera literaria que duraría a lo largo de su vida. Pero es poco después de la aparición de la revista, allá en 1928, que junto a Paredes sería contratado por el sello Columbia para una serie de sesiones mágicas tras las cuales el Fado no volvería ser el mismo.

En febrero de ese año, ambos acompañados de otro guitarrista Albano de Noronha y Mario da Fonseca a la viola, graban un total de 10 temas en Lisboa editados en 5 discos que representan uno de los hitos del Fado de Coimbra. Grabando tanto temas populares como nuevos, la voz de Bettencourt se convierte en una de las más pasionales del Fado, que unido a su poética le dan un giro al género jamás visto hasta entonces, de la misma manera que su amigo Artur Paredes estaba también llamado a revolucionar la guitarra portuguesa. Es de estas preciosas sesiones de donde rescato hoy los dos temas que he escogido. “Canção de Alemtejo”, una canción popular de esa zona rescatada por nuestro hombre, es un  tour de force a medias entre Bettencourt y Paredes. No sólo la voz del primero es un chorro de pasión y técnica sino que los cambios entre cada estrofa se enfatizan con un brillante fraseo de Paredes y compañía. Para rematar incluyo la otra cara, un precioso tema de amor con tintes religiosos con el título de “Samaritana”. Digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten.

Edmundo Bettencourt “Canção do Alemtejo” Lisboa, Febrero 1928. Columbia 8121

Edmundo Bettencourt “Samaritana” Lisboa, Febrero 1928. Columbia 8121

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JEPSEN AND DONALDSON: Leave it there

La Starr Piano Co. en 1909

El sello americano Gennett Records se fundó en 1917. Establecida en Richmond, Indiana, era propiedad de la compañía de pianos Starr, y empezó editando discos bajo ese mismo nombre. Sus grabaciones eran de poca calidad, con numerosos problemas a la hora de grabar los masters e incluso sin ser unos grandes prensadores, pero entre finales de los años 10 y finales de los 20 grabaron y editaron una increíble multitud de estupendos discos tanto de Jazz, Blues o Country. Empezaron grabando en New York pero al cabo de un tiempo abrieron nuevos estudios en Richmond o St. Paul, por desgracia, con la misma mala calidad. Fue ya en los años 20 cuando Gennett empezó a editar discos a través de otros sellos, ya fueran de su propiedad (Champion) o cediendo masters a otros, como el caso del que hoy nos ocuparemos, un grabación Gennett reeditada en el sello Challenge, propiedad (al igual que Silvertone o Conqueror) de la compañía Sears, Roebuck & Co., quienes editaban discos baratos para vender en sus cadenas por todo Estados Unidos. Gracias a ello, los discos de Jepsen and Donaldson son un poco más fáciles de encontrar.

Ruth Donaldson y Helen Jepsen ya en avanzada edad

Ruth Donaldson y Helen Jepsen estaban en St. Paul, Minnesota en junio de 1927 con la intención de grabar unos cuantos temas para Gennett en otro de sus estudios. Ambas eran hermanas (desconozco la razón por la diferencia de apellidos) y predicadoras evangelistas que provenían del circuito del vodevil, donde se anunciaban como contrabandistas de alcohol reformadas. Siempre amenizaban sus actuaciones con música. Ambas cantaban y mientras que Ruth tocaba el tiple (concretamente un tipo de tiple conocido como de Miami, una especie de ukelele de 10 cuerdas) Helen tocaba la guitarra hawaiana, instrumentos que, unidos a sus angelicales voces, daban un resultado muy peculiar que Ross Hair y Thomas Ruys Smith calificaron como “Sara y Maybelle Carter con un poco de helio” (Harry Smith’s Anthology of American Folk Music: America changed through music, 2017).

Sus primeras sesiones para Gennett fueron el 3 y el 8 de junio de 1927, pero todos los temas grabados fueran descartados (seguramente los masters destruídos). No fue hasta unos días más tarde que volvieron a grabar los días 15, 16 y 23 de junio, de donde se volvieron a descartar más temas pero por suerte, Gennett acabó editando unos cuantos, los suficientes para que lleguemos hoy a hablar de ellas. Su música es rara y extraña, muy angelical y con un claro sentido del ritmo, pero junto a la extraña calidad de sus grabaciones (ese extraño eco típico de Gennett) las convierten en algo muy único. El tema escogido es buena prueba de ello. “Leave it there” es un himno religioso compuesto en 1916 por el predicador Charles A. Tindley, y del que meses después, ese mismo año, Washington Phillips (del que espero hablar algún día) grabaría la que seguramente es la mejor y más famosa versión. En la suya, Jepsen y Donaldson hacen gala de sus angelicales voces, de su ritmo peculiar y de una curiosa guitarra hawaiana que inunda los altavoces dándole al conjunto un tono muy extraño y peculiar, casi como de otro mundo. Al poco de grabar las dos hermanas volverían a girar de nuevo hasta establecerse por Minnesota donde se convirtieron en ministras de fe, e incluso volvieron a grabar en 1931, dejando grabaciones tan mágicas como esta de hoy. Como siempre digitalizado de mi colección, Espero que lo disfruten.

Jepsen and Donaldson “Leave it there” St. Paul 16 de junio 1927 Challenge 341

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NAPOLEON’S EMPERORS: You can’t cheat a cheater

Phil Napoleon

Hace tiempo que quería volver a hablar de alguna orquesta de Jazz o de baile, y aunque mi primera intención era compartir algo menos conocido, a última hora me he decantado por un famoso tema que siempre ha sido una de mis debilidades. Eso sí, a cargo de una estupenda banda llena de estrellas del Jazz como lo fue los Napoleon’s Emperors.

El nombre de la banda se debe al gran Phil Napoleon (italoamericano de nombre verdadero Filippo Napoli), nacido en Boston en 1901. La influencia de Napoleon es grandiosa, ya que fue uno de los primeros músicos blancos del norte de Estados Unidos que abrazó el Jazz con pasión, ayudando con sus grabaciones a popularizarlo por todo el país. De hecho ya en 1917 forma la banda The Original Memphis Five, con quienes conoce el éxito convirtiéndose así en uno de los trompetistas más influyentes de su época.

La banda fue evolucionando y añadiendo/cambiando miembros en los años 20, grabando bajo distintos nombres (Bailey’s Lucky seven, Ladd’s Black Aces, Charleston Chasers, Phil Napoleon Orchestra…) siendo el que hoy nos ocupa, Napoleon’s Emperors, uno de ellos así como uno de los más interesantes, ya que agrupó en 1929  a una auténtica banda de lujo. Uno de los nombres que más sonará a los aficionados al Jazz es el de Tommy Dorsey. El que se convertiría años más tarde en uno de los líderes del movimiento swing con su orquesta, tocó su trombón junto a su hermano Jimmy, clarinetista, en multitud de bandas entre los años 20 y 30, convirtiéndose ambos en unos de los músicos más solicitados de esos años. Otros nombres conocidos son los del violinista Joe Venuti y el guitarrista Eddie Lang. Venuti fue uno de los primeros grandes violinistas del Jazz mientras que Lang se convirtió en uno de los referentes de la guitarra de esa época. Ambos amigos tocaron a menudo juntos en varias grabaciones hasta la prematura muerte de Lang en 1933.

El combo se completaba con Frank Signorelli al piano,el gran  Joe Tarto al bajo y Stan King a la batería, aunque muchos consideran que para esta, como en otras sesiones, el hermano de Napoleon, Ted, le reemplazó. Las sesiones de esta banda para Victor diero nde si 5 temas, de entre los cuales, siento una especial debilidad por este “You can’t cheat a cheater” (No puedes estafar a un estafador). Se trata de un blues intrumental lento, en el que tras la introducción del piano nos da paso a un estupendo riff a cargo de la trompeta llena de sentimiento de Napoleon. El tema da paso a toda una serie de solos, entre los que destacaría a título personal sobretodo el de Lang y el de Jimmy Dorsey, además de ese cambio de ritmo final. En fin, esta vez me apetecía simplemente compartir un clásico, y aquí está. Digitalizado de mi colección (edición de HMV inglesa de los masters originales de Victor). Espero que lo disfruten.

Napoleon’s Emperors “You can’t cheat a cheater” HMV B.4955 (originalmente Victor V-38069) New York 23/5/1929

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CANARIO Y SU GRUPO: Mercedes y Sara

Manuel Jiménez “El Canario”

Los discos en 78 rpm de artistas de Puerto Rico anteriores a la Segunda Guerra Mundial suelen ser difíciles de encontrar y mucha de esa música, aparte de casos aislados como el del grupo Los Jardineros (editados en Cd) sigue permaneciendo en el secreto. Encontrar un disco de la banda que hoy nos ocupa, a pesar de ser una de las más famosas de la época, suele ser una tarea difícil y es por eso que fue una grata sorpresa cuando di con este disco en una tienda hace aproximadamente un año. Para más suerte, estaba y está en estupendo estado. Desconocía por entonces la trayectoria de Manuel Jiménez, más conocido como “El Canario”, pero este disco me abrió las puertas a la carrera de este excelente líder de banda y músico.

Manuel  Jiménez nació en Orcovis, Puerto Rico, el 1 de enero de 1895, y parece que ya de joven la música formó parte de su vida. Si bien empezó trabajando de muy joven en fábricas y en una tabaquería, con apenas 14 años se va en un buque a Barcelona como polizón. Regresa al poco tiempo a América, estableciéndose en New York, y parece ser que fue en alguno de estos viajes que uno de los capataces le pone el sobrenombre de “Canario”, ya que el joven Manuel canta a todas horas. Se dice que hacia 1914 realiza sus primeras grabaciones para Pathé en New York, corridos mexicanos, y que al año continúa grabando para otros sellos, aunque la hora de la verdad le llega a mitades de los años 20, cuando en 1926 firma un contrato como artista exclusivo para Victor, para quienes empieza a grabar con su propio grupo.

Canario pasa de cantar a ejercer como líder de la banda, rodeándose de estupendos músicos con los que gira y graba asíduamente durante la segunda mitad de los años 20 y principios de los 30. Si bien se le reconoce como el gran introductor de la plena puertorriqueña en Estados Unidos, la verdad es que su banda grabó todo tipo de estilos latinos en una buena estrategia para mantener un buen nivel de ventas. Su carrera sigue en auge en los años 30, cuando funda su propia orquesta con la que sigue cosechando éxitos. Hacia 1949 vuelve a vivir a Puerto Rico, y se mantiene allí más o menos activo hasta los años 60 donde fallece posteriormente en 1975.

El disco que hoy presento, grabado en setiembre de 1930 en New York, nos muestra a la banda interpretando un par de boleros cubanos y es un buen ejemplo de que, a pesar de haber pasado a la posteridad por la plena, Canario estaba abierto a varios estilos. Ambos temas, compuestos por Rafael Rodríguez, responden al nombre de dos mujeres, y nos muestran una estupenda banda con dos guitarras, un cuatro, claves y un estupendo clarinete en vez de la habitual trompeta de los combos cubanos, que les da un toque muy especial que me recuerda un poco a las bandas de la Martinica y Guadalupe. Digitalizado de mi colección. Espero que lo disfruten.

Canario y su Grupo “Mercedes” New York, 12/9/1930 Victor 30328

Canario y su Grupo “Sara” New York, 12/9/1930 Victor 30328

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CORO DE CAMPANILLEROS DE LA ESPERANZA DE TRIANA

El bajo, en este caso del Coro de Campanilleros de Bormujo. Se trata de una jarra decorada que nuestro hombre golpea con la alpargata que sostiene la mano derecha. Este sonido marca el tiempo y ritmo de la canción.

Ahora que acabamos de pasar la Semana Santa, me apetecía compartir algo diferente y que tuviera que ver con estas festividades, algo tradicional del sur de España: Los Coros de Campanilleros. Este tipo de Coros forman una parte importante de las fiestas de Semana Santa en Andalucía, donde, acompañados de guitarras, castañuelas, campanas, bajo (una jarra golpeada con una alpargata) y otros instrumentos (“intrumentos de hombre pobre” como apuntó Alan Lomax cuando grabó al Coro de Bormujos en los años 50), cantan al  alba los rosarios de la Aurora. Estos cantos de carácter religioso se remontan a las épocas medievales, y son (y se han mantenido hasta la actualidad) de origen humilde, de ahí la sencillez de los instrumentos que los acompañan.

Mi primer contacto con esta música fue a través de un disco editado por Parlophon en 1930 con el que seguramente sea el Coro más conocido, el de Bormujo. Este coro participó en la Exposición Internacional de Barcelona de 1929 actuando en el Poble espanyol de Montjuïc, y fue seguramente durante esa estancia en la capital catalana cuando grabaron para Parlophon un total de 7 discos. Fue una verdadera sorpresa descubrir su música, ya que no se asemejaba a nada de lo que yo hubiera escuchado antes en el folklore español. La introducción instrumental con las campanas, la guitarra y el bajo ¡casi me recordaba a la música oriental! Podéis escuchar el disco aquí:

Si bien el disco ya no está en mis manos (cosas que pasan), algo de curiosidad había despertado en mi. Así que con al poco tiempo cuando tuve la oportunidad de hacerme con otro disco de un Coro  diferente no me lo pensé dos veces. Esta vez el disco era editado por Regal y el grupo en cuestión era sevillano, el Coro de Campanilleros de la Esperanza de Triana. Y vaya otro descubrimiento. Si bien la base instrumental es casi igual (campanas, guitarra y bajo) el estilo es diferente. Para empezar aquí no hay voces fememinas como en  Bormujo (de hecho las voces de mujeres fueron una de las grandes innovaciones de este coro), los temas son mucho más pausados y el uso de los instrumentos es más rítmico. Pero qué gozada de disco. El juego de voces entre el solista, José Cotayo, y el coro es espectacular, alternando juntamente con los músicos acompañantes bellos momentos de explosión y calma.

Los dos discos en el resumen del catálogo general de regal de Junio de 1930. Se habían lanzado ya a incios de ese año.

La verdad es que para otro que esté más acostumbrado a esta música no la verá tan especial, pero para mi que no vengo de este mundo fue todo un shock. Es una música inquitetante y hermosa, singular y muy muy especial. Por desgracia no he podido encontrar nada de información sobre el Coro de Campanilleros de la Esperanza de Triana excepto las entradas de los lanzamientos de sus dos discos en los catálogos de Regal, que salieron a principios de 1930 (lo que supone la grabación a finales de 1929) y aparte de Cotayo, nombrado en la etiqueta, no sé el nombre de ninguno de sus componentes. Así que como siempre, si alguien que lea esto tiene más información, que  por favor contacte conmigo. Y ahora sí, os dejo con los dos temas del disco. Digitalizados de mi colección. Espero que los disfruten.

Coro de Campanilleros de la Esperanza de Triana “Se le antojó a la Virgen” 1929. Regal RS 1324

Coro de Campanilleros de la Esperanza de Triana “Almendro florido” 1929. Regal RS 1324

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